Недавно попалась на глаза информация о том, что Роман Абрамович приобрел одну из коллекций художника Ильи Кабакова. Стало интересно, чем же знаменит Кабаков.
Работа Ильи Кабакова "Анна Евгеньевна Королева: Чья эта муха?" 1987 ,64х102
Глядя на работы художника, подумалось: "Еще один укатил в Штаты, но почему-то сожаления по этому поводу совершенно нет. Пусть американцам мозги промывает"
Одна из статей о художнике приведена ниже.
**********
«У меня всё последнее время было безумное желание
отразить всю жизнь нашего советского общества,
не пропустить ни одной бумажки, потому,
что была надежда, что нас всех возродят скопом».(И. Кабаков)
Илья Иосифович Кабаков – один из первопроходцев концептуализма - одного из самых успешных направлений в советском искусстве. Если представить, что все современное искусство помещается на линейке, то работы Малевича соответствовали бы нулю - точке отсчета, а творения Ильи Кабакова – единице. Работы Кабакова, выставленные в музеях и галереях, рассматривают, затаив дыхание, во всем мире.Родился Илья Кабаков в городе Днепропетровске в 1933 году. С 12 лет обучался в художественной школе в Москве на протяжении 6 лет. В 1957 году Кабаков окончил Художественный Институт им. Сурикова по специальности графического дизайна. В 1950-е годы художник подрабатывал оформлением книг, экспериментируя с различными формами абстракционизма.
Илья Кабаков был новатором в искусстве – им был переосмыслен весь хлам советского времени. Впоследствии им была создана своя модель вселенной, свои правила и законы. Кабаков разработал концепцию «тотальной инсталляции», которая представляет собой отдельную комбинацию из нескольких картин, а также текстов, звуков и предметов. В глазах зарубежной публики он был выдающимся философом живописного искусства, а для своих соотечественников – одним из самых неоднозначных художников. Даже самому искушенному зрителю удалось найти что-то совершенно новое в его картинах. В работах Кабакова можно найти целый микрокосмос связей, по которым прослеживается история целой эпохи. «Тотальная инсталляция» - термин, придуманный художником. Он означает целостное произведение, которое нельзя понять, смотря на него со стороны – для полного понимания нужно войти внутрь и обжиться в нем.
Десятки книг посвящены феномену художника. Его работы и теоритические разработки подвергаются глубокому изучению и анализу в университетах. Вряд ли такой интерес может искусственно существовать на протяжении столь продолжительного отрезка времени.
Несомненно, основным направлением всего творчества Ильи Кабакова является концептуализм. Своеобразной музой художника стала коммуналка с ее неотрывными спутниками – абсурдом, общей кухней, тесностью, сварами. Даже в самых тяжелых условиях есть особая романтика, однако смысл работ Кабакова чаще всего упирается в атмосферу подавления человеческой личности отношением окружающих и коммунальным бытом в частности. Эти работы о вынужденной трансформации в «серого человека», утешением которой может послужить лишь погружение в свои радужные грезы. В узком смысле это притчи о деморализующем и агрессивно-настроенном влиянии советских условий. Не сложно представить, что в конце 80-годов Россия была погружена в эти серые реалии, чем можно объяснить специфику восприятия своего отечества Кабаковым. Другое дело жизнь на западе – люди существуют в коммунально-благополучных условиях и не знают, что такое запасать картошку на своем балконе, у них совершенно другая точка зрения.
Секрет в том, что художник решил посмотреть на советское время так, как в наше время смотрят на творения Древнего Египта. Несомненно, и при Тутанхамоне существовали некие неофициальные искусства, но нам невозможно различить абсолютно все стилистические и идеологические нюансы по истечении веков. Кабаков трансформировал принятые на западе акценты и оценки в триаду «московский концептуализм – соцреализм – русский авангард»: первое и третье являются примерами «положительного» искусства, а второе – «отрицательного». Советское искусство существовало обособлено от всего мира, оно демонстрировало «прямой взгляд» на «изнаночный мир» советского времени.
Как бы то ни было, стремительный путь к мировой известности Кабаков проделал в период эмиграции, чему завидовало большинство других представителей русского искусства, перебравшихся за границу из-за перестройки. Ни у кого не было такого успеха, которым пользовался Кабаков. Еще в 1922 году художник сотворил скандальную инсталляцию, которая имитировала советский туалет общественного пользования, люди в котором проходили через условные секторы «М» и «Ж». Через год на выставке собралась огромная толпа желающих познакомиться с концептуальной инсталляцией Кабакова, состоящей из двенадцати кроватей из железа, расположенных в кругу. Все это происходило лишь в начале 90-х, после чего последовали десятки рецензий в авторитетных изданиях, выставки, каталоги со всеми вытекающими из этого последствиями в виде высочайших галерейных цен и множеством заказов.
Надо сказать, что сведений о галерейных ценах осталось немного, так как информация такого рода редко оказывается доступной публике. В 1990-х годах была опубликована информация о том, что некоторые инсталляции были проданы по цене в полтора миллиона долларов и больше. Однако аукционные работы Ильи Кабакова стали превышать барьер в миллион долларов лишь в последние два года: к примеру, картина «Номер люкс», написанная им в 1981 году, была продана на аукционе за 2 млн. фунтов компании Phillips в 2007 году, а годом ранее та же компания купила у художника инсталляцию «Коммунальная кухня» 1991 года. Двухметровая работа художника «Жук» достигла отметки в 2,6 миллиона, попав в обойму «миллионеров» всего несколько месяцев назад, тем самым отвоевав своему создателю позиции в рейтинге цен русского искусства. И по сей день Илья Иосифович Кабаков остается создателем наиболее дорогой работы среди современных русских художников.
Одновременно с Пивоваровым Кабаков изобрел еще один жанр – альбом. Он представлял собой набор листов с различными текстами и рисунками. В настоящее время Илья Кабаков живет в США и является гражданином этой страны.
"Дитячий Кобзар” Видавництва Старого Лева – справжнісінький мистецький шедевр. Від ілюстрацій, які створила художниця Марина Михайлошина (на фото), – очей не відірвати! Вірші Тараса Шевченка у цій книжці подаються у скороченому вигляді (такий хід добре продуманий, бо мала дитина навряд чи всидить, слухаючи у повному обсязі, наприклад, поему «І мертвим, і живим, і ненародженим» або «Катерину»).
Головний РЕДАКТОР дитячого Видавництва Старого Лева Мар’яна Савка зауважила: «Марина Михайлошина, ілюстратор "Кобзаря” – молода перспективна художниця». Співпраця видавця і художниці розпочалася із книги «Баламутики» (автор віршів – Роман Скиба). Марина розмалювала світ «баламутинок» акварелями. Крім того, за словами художниці, відкрила для себе одного з найулюбленіших поетів.
Марина - надзвичайно працьовита людина, хоча у її творчих муках не обходилося і без сліз...
- Марино, від чого залежить успіх ілюстратора: від видавництва з відомим брендом чи виключно від таланту художника?
- Успіху досягають ті, хто не погоджується з поразкою. Але у кожного успіху своя історія. Працюючи з видавництвом, певним чином залежиш від замовника. Мусиш зважати на його побажання.
- Ілюструвати народні казки на сучасний лад перспективно?
- Ніхто з сучасних художників і уявити не може, як ці історії сприймали у часи, коли їх розповідали вперше. У народних казках – суцільна космогонія і філософія буття. А будь-яке ілюстрування сучасного (тобто нині живого) художника – буде сучасним ілюструванням. Це як з п’єсами Шекспіра – один сценарій, але кожен режисер пропускає його через себе. Від цього ж п’єса не стає ані гіршою, ані кращою, просто давня добра історія сприймається по-новому. Свіжіше.- Ваші ілюстрації до "Дитячого Кобзаря” надзвичайно оригінальні. Їх можна розглядати і розглядати. Розкажіть про найцікавіші моменти, що траплялися під час роботи.- Якось повела своїх гостей у Національний музей ім. Тараса Шевченка. Сама, зізнаюсь, побувала там вперше. От мене і «накрило»… Кілька днів ходила під враженням. Купила повне зібрання творів Шевченка, зацікавилася дослідницькими працями Івана Дзюби. Ще думка така майнула: «А може, зробити серію ілюстрацій до віршів Кобзаря, так просто, для себе». І тут зателефонувала Мар’яна Савка з несподіваною пропозицією. Думки матеріалізуються!
- Що найважче дається під час створення ілюстрацій до дитячих книжок? Чи дивитеся на книгу, над якою працюєте, очима дитини?
- У мене на старому мольберті напис: «Произведение удается лишь в том случае, если тема его будет глубоко личной темой художника». Ще у школі його «розписала», не знаю навіщо. Так от, все правда! Малювати те, що особисто тебе взагалі нічим не зачіпає, – нудно і нецікаво. А читачеві буде нецікаво роздивлятися те, що тобі було нецікаво малювати. Такі речі відчуваються. Тож найважче, мабуть, дотягти рулон паперу додому (усміхається. - С. Б.)… Якихось секретів під час створення ілюстрацій до дитячих книжок у мене немає. Малюю так, як сама сприймаю, – працюю завжди для себе, а не для когось. Тим більше, звідки мені знати, якими очима дивитиметься на книжку кожна конкретна дитина? Особисто я у дитинстві не любила книг з малюнками… І зараз вириваю всі кольорові вставки у збірках (виняток – улюблені ілюстратори, але у цих випадках купую видання саме заради малюнків, і текст мене взагалі не цікавить).
- Розкажіть про внутрішні переживання, коли «не малюється»?
- Іноді треба відкласти конкретну роботу на деякий час, щоб пізніше глянути на неї «свіжим оком». Якщо щось не виходить – значить, щось не так робиш. Раніше могла взяти планшет і все змити, порвати роботу (зішкребти мастихіном, якщо олійний живопис)…Навіть сльози бували! Іноді працюю на одному диханні… А взагалі-то повільно малюю. З віком почала спокійніше до всього ставитись. Або ти недостатньо точно сформулювала завдання, тому і не виходить (бо сама не знаєш, чого хочеш), або на цьому етапі не вистачає майстерності для її подолання. А досягти майстерності у будь-якому ремеслі можна лише в один спосіб – досвідом.
- Який найголовніший «месидж» намагаєтеся донести до читача через ілюстрацію? Яку книжку мрієте проілюструвати?
- Ніколи не думала про «месиджі»… Просто намагаюся якомога точніше передати власні емоції. У випадку з ілюструванням наношу на папір те, що малювала моя уява, поки читала текст. Мабуть, кожну цікаву книжку, яка потрапляє до моїх рук, хочеться проілюструвати. Якоїсь окремої не виділю. Бо коли читаєш, в уяві з’являється або «широкоформатний фільм», або малюється композиція: рядок за рядком.
З досьє: Марина Михайлошина народилась у Києві 1982 року. Живе і працює у столиці. Закінчила ДХСШ ім. Т. Г. Шевченка, факультет живопису, займалася скульптурою і керамікою (факультет декоративно-ужиткового мистецтва). З 2001 р. навчалась на видавничо-поліграфічному факультеті НТУУ «Київський поліграфічний інститут», спеціальність «Графіка». Марина розповіла, що увесь час чимось захоплюється: свого часу опанувала ікебану, займалася рекламою… А якось серйозно збиралася вступати на режисуру до Національного університету театру, кіно та телебачення ім. І. Карпенка-Карого. Передумала, захопилась каліграфією. З 2010 року працює як «вільний художник», займається оформленням книг. У 2011 р. відбулась її перша виставка робіт у рамках проекту «Україна – Грузія: два серця – одна душа» (Дні України в Грузії, м. Тбілісі). Роботи художниці зберігаються у приватних колекціях України, Росії, Грузії, Ірландії, США, Австралії.
- Екатерина, расскажите о том, как вы стали художником.
- Я рисовала всегда: дома, в изостудии, в художественной школе. Потом поступила в Абрамцевский колледж, где училась художественной керамике. А затем поступила в Российскую академию художеств имени Репина в Санкт-Петербурге на факультет живописи. Мечта учиться в академии была для меня самой заветной, осуществила я ее со второй попытки. Считаю, что мои два образования удачно дополняют друг друга. Благодаря им появилась моя манера писать.
- А как называется эта манера?
- Мне очень нравится, как ее называют искусствоведы, - позитивизм. Я всегда хотела писать сюжетные картины. Много копировала Роквелла Нормана, малых голландцев и других мастеров, прежде чем нашла свою манеру.
- Ваши родители имеют отношение к живописи?
- Нет, они у меня военные ученые. Правда, папа играет на многих музыкальных инструментах, да и мой талант разглядел именно он. Глядя на мое детское творчество, он всегда говорил маме: «Вот посмотри, у нее этот домик другой, не такой, как у всех». Папа всегда подталкивал меня в художники. Мои родители первыми оценивают мои картины. Они стараются меня не критиковать, но когда остаются наедине, то обсуждают, а потом выносят вердикт и знакомят меня с ним. Бывает, что мне что-то не нравится и хочется переписать, а родители не дают, убеждая меня ничего не трогать.
- Екатерина, расскажите о своих выставках.
- Долгое время в Москве я сотрудничала с галереей Лаврушина. Наша дружба сложилась совершенно случайно. Когда мне было 16 лет, я вместе с другом поехала в Москву продавать свои акварели на Крымском мосту. Приехали, развесили, ждем… и дождались: к нам подошел галерейщик и предложил работать вместе с ним. Сотрудничество наше продолжалось десять лет, а потом как-то распалось.После этого я стала работать с мюнхенской галереей, а затем с финской. Сейчас я - национальный финский художник (улыбается). Они постоянно организуют большие выставки - там, в Финляндии. Вот 16 февраля открывается очередная.Работая с иностранными галереями, мне все-таки хотелось выставляться и в Москве, чтобы мама, папа, друзья и знакомые могли посмотреть мои работы. Сейчас я только-только начинаю сотрудничать с галереей «Ведас». Также планирую в апреле выставляться в ЦДХ.
- А как рождаются сюжеты ваших картин?
- По-разному. Иногда сперва появляется сюжет, какая-нибудь история, а иногда мне в голову приходит одно название, а уже потом рождается картина. Бывает, что картины заказывают. Как-то я рисовала на заказ для гольф-клуба в Хельсинки четыре картины. Эти картины были вывешены в клубе, где их и увидел один молодой человек. По его мнению, на одной из картин я написала его девушку, и он заказал мне точно такую же работу. Но я не делаю точный повтор. Считаю, что картина должна быть в единственном экземпляре. Иногда сделать повтор очень сложно, ведь ту картину я писала тогда и с тем настроением. Особенно тяжело, когда летом заказывают зимнюю картину или наоборот.
- А самая любимая ваша картина продана, или вы ее храните для себя?
- Я не продаю картины, я отдаю их в хорошие руки за вознаграждение. Я люблю, конечно, работать с галереями, но гораздо больше мне нравится, когда картины покупают лично у меня. Я вижу человека, его глаза, понимаю, что картина будет приносить радость. Есть работы, которые остаются у родителей, они собирают мою личную коллекцию: мой первый натюрморт, первая акварель, первая работа маслом на холсте.Нельзя сказать, что у меня есть картины любимые и не очень. Стараюсь каждую работу довести до какого-то звучания. Если мне не нравится, то я лучше все запишу и начну заново, ведь картины – моя жизнь, мой придуманный мирок.
- Катерина, с вашей точки зрения, что такое дом художника?
- Если говорить о доме, а не о мастерской, то должно быть спокойствие и уют. Я не считаю, что художник должен страдать, чтобы писать. Например, я должна находиться в какой-то безмятежности, чтобы постоянно думать о картине. Мне мешают проблемы и суета. А в мастерской для меня главное, чтобы ничто не мешало. Идеально, когда стол, большие окна, чтобы было много света, мольберт, стульчик и картина.
- А что такое уютный дом?
- Это дом, где все мастерится и делается. Надо, чтобы дети играли, пианино звучало, пирожки пеклись. Дом не должен быть шумным, но и тихий дом скучен.
- Какое место в доме вы больше всего любите?
- Кухню. Я люблю готовить. В этом есть какое-то творчество. И за это творчество меня тоже хвалят. Конечно, люблю мастерскую. Я там и пишу, и читаю, и музыку слушаю.
- Есть такое понятие, как сердце дома. А в вашем доме где находится сердце?
- Сейчас сердце моего дома находится в детской, ведь я мама маленького сынишки.
- А какое у вас сохранилось воспоминание о доме детства?
- Я считаю, что моя семья идеальна. У нас всегда жила любовь, и это чувствовалось. Это и цветы, привезенные с дачи, и помидорчики, любовно выращенные нами из рассады. И, конечно, семейные праздники.
- Какой семейный праздник самый любимый?
- На самом деле Пасха. Это всегда волнение, ажиотаж: вся эта кухня с запахами, крашеными яичками и разложенными полотенчиками. К празднику целый день готовились, потом шли на службу в храм Черниговского скита, затем уже все собирались за столом. И все это делали вместе! До сих пор люблю этот праздник, он самый впечатляющий по эмоциям.
- А как сделать дом уютным? Дайте несколько советов нашим читателям.
- Мне кажется, что в доме должны быть вещи, любимые хозяином. Это не обязательно должны быть картины, может быть что угодно. Когда вещь любима, она наполняется положительной энергетикой, и все приходящие это чувствуют. К дому надо относиться как к драгоценности, его надо любить. Да и в самом доме должна быть любовь. Наверное, это самое главное.
Работы импрессионистов и мастеров русской живописи уйдут с молотка. Очередную распродажу устраивает аукционный дом "Сотбис". В преддверии торгов в Нью-Йорке и Лондоне ключевые лоты общей стоимостью в 31 миллион долларов привезли в Россию. У москвичей было всего два дня чтобы оценить шедевры
Надо сказать, что этот список постоянно подвергается изменениям. С каждым аукционом Сотби или Кристи, в него вносятся коррективы. Редко такие картины покупают ради искусства, скорее рассматривают как выгодную инвестицию.
10. Vincent van Gogh - Portrait of Joseph Roulin,- 1889 — $ 100,800,000
9. Pablo Picasso - Nude, Green Leaves and Bust, 1932 — $106,500,000
8. Edvard Munch - The Scream, 1895 — $119,900,000
7. Pablo Picasso — Garcon a la pipe, 1905 — $104,168,000
6. Pierre-Auguste Renoir – Bal du moulin de la Galette (Dance at Le moulin de la Galette), 1876 - $78,100,000
5. Vincent van Gogh — Portrait du Dr Gachet, 1890 — $82,500,000
4. Gustav Klimt — Portrait of Adele Bloch-Bauer, 1907 — $135,000,000
3. Willem De Kooning — Woman III, 1953 — $137,500,000
2. Jackson Pollock — No.5, 1948 — $140,000,000
1. Paul Cézanne - The Card Players, 1893 - $ 259,000,000
